Pablo Picasso est l'un des génies les plus célèbres de l'art moderne. Porte-drapeau des avant-gardes espagnoles, son nom surgit spontanément à la simple évocation du terme cubisme , mouvement dont il était le plus haut représentant. Cependant, les presque soixante-dix ans d'expérience de ce maître de la peinture espagnole ont laissé derrière lui un large éventail de styles, d'expérimentations, d'innovations et de modes d'expression, faisant de son créateur l'un des peintres les plus intéressants, complets et polyvalents du panorama artistique universel. .
Les étapes de l'œuvre de Pablo Picasso
Pablo Picasso est l'auteur d'une œuvre prolifique et féconde . Il existe des milliers de pièces qui portent sa signature, parmi lesquelles des peintures comme la célèbre Guernica (1937), des lithographies comme Paysage méditerranéen , des gravures comme Vieil homme fantasmant et même des sculptures comme La Dama Oferente (1933).
Vieux Picasso fantasmant
Cette énorme production artistique est très variée et complexe, car la carrière de Pablo Picasso constitue un processus d'évolution continu et accéléré . C'est pourquoi ses œuvres sont généralement regroupées en une série d'étapes qui vont de sa période d'apprentissage à sa période de maturité artistique.
Stage d'entraînement (1895 - 1900)
On peut trouver une première étape entre les années 1895 et 1900 , une période au cours de laquelle un Picasso de 14 ans a commencé sa formation artistique à La Llotja et, plus tard à l'école de San Fernando, jusqu'à finalement se rendre à Paris, où il a rencontré ses premiers marchands. Cette étape de formation se déroule sous l'influence du modernisme catalan , dont l'influence se manifeste dans le désir de représenter la figure humaine agissant dans des scènes de la vie quotidienne, comme on peut le voir dans Science et Charité (1897) ou La fille aux pieds nus (1895). On retrouve aussi dans les tableaux de Picasso certains traits de la peinture de l'âge d'or qui s'expliquent peut-être par la profonde impression que les œuvres de maîtres comme El Greco, Goya ou Velázquez provoquèrent lors de ses visites répétées au musée du Prado , et de ces qui prennent la vitesse de la ligne et le chromatisme sombre de ses environnements , annonciateurs de l'arrivée d'une nouvelle étape dans la vie et l'œuvre du peintre de Malaga : la période bleue.
L'âge bleu (1901 - 1904)
La période bleue (de 1901 à 1904) est peut-être, après le cubisme, l'étape la plus célébrée de la production artistique de Picasso , bien que son déclenchement ne soit pas un motif de célébration, puisque, selon Picasso lui-même l'a reconnu, il commence à « peindre en azul » en 1901 après le suicide de son ami Carles Casagemas, qui devint un temps un motif récurrent dans l'œuvre du peintre. Les peintures de cette période sont teintées de mélancolie pour représenter les conditions de vie des classes marginalisées de Barcelone au début du 20ème siècle, affichant un équilibre délicat entre réalisme social et expressionnisme personnel, comme on peut le voir dans des peintures telles que Femme aux bras croisé (1902). La gamme chromatique est froide et d'acier et les fonds sont nus , un fait qui met en évidence la facette dramatique des compositions, mettant en vedette des personnages langoureux et élancés avec une certaine influence de la figuration grecque . Ainsi, l'univers pictural de Picasso est peuplé, durant ces années, de personnages désolés et perdus, comme ceux des tableaux Le Vieux guitariste (1903-1904) et La Vida (1903). En 1904, déjà installé dans le quartier bohème de Montmartre, Paris éveille de nouvelles préoccupations chez Pablo Picasso et rajeunit ses forces créatrices . Attiré par la charmante atmosphère bohème et l'agitation de la ville, le peintre renonce aux voiles bleus pour se laisser séduire par les spectacles de cirque, les bars bondés et autres attractions bohèmes parisiennes, jetant ainsi les bases d'une nouvelle étape de sa production artistique.
La période rose (1905 - 1906)
La période rose (de 1905 à 1906) tire son nom du changement drastique que suppose le chromatisme chaleureux des tableaux peints par Picasso au cours de ces années par rapport à l'atmosphère mélancolique de la période bleue précédente. Bien qu'à cette période le peintre cultive également le nu, les thèmes les plus récurrents sont les scènes de cirque, dans lesquelles Picasso dépeint des comédiens ambulants, des acrobates et des arlequins d'un trait doux et d'apparence candide , comme ceux que l'on peut voir dans Famille de Saltimbanques (1905) . Au cours des voyages effectués durant cette période en Hollande et à Gósol (Lleida), le jeune Picasso entre en contact avec les anciennes manifestations de l'art roman et péninsulaire , dont les influences contribuent à forger ce qui sera plus tard connu sous le nom de l'âge noir de Pablo Picasso.
L'âge noir (1907 - 1908)
L' âge noir (de 1907 à 1908) matérialise la confluence des expériences acquises par Picasso à travers son étude de peintres classiques tels que Cézanne ou Ingres et à travers les voyages effectués les années précédentes en Hollande et Gósol, où il est entré en contact avec l'art roman et le primitivisme de la statuaire ibérique. A ce stade commence un processus de schématisation et de géométrisation des formes dans lequel les corps et les choses sont réduits à des éléments simples et archaïques, gagnant en expressivité. Quant aux couleurs, l' ocre et le rouge prédominent , qui donnent du drame aux compositions. L'œuvre la plus iconographique de cette période est le célèbre tableau Les Demoiselles d'Avignon (1907), où les lignes anguleuses et les visages en masque prédisent le germe du plus emblématique de l'époque picassienne : le cubisme.
Cubisme (1908 - 1916)
La période cubiste (de 1908 à 1916) représente une rupture avec la perspective traditionnelle de la Renaissance . Pablo Picasso et George Braque, principaux représentants de ce courant d'avant-garde, refusent les canons classiques afin d'inclure à la fois la vision binoculaire et les différents angles sous lesquels l'objet représenté peut être vu sur la toile elle-même . Puisqu'il y a quelques traits communs, l'énorme production artistique de Pablo Picasso au cours de cette période est généralement cataloguée sous la rubrique générale du style cubiste , bien qu'il s'agisse d'une étape complexe dans la carrière du peintre, qui permet de diagnostiquer plusieurs phases . Le premier d'entre eux est le cubisme analytique (entre 1908 et 1910), caractérisé par des compositions dans lesquelles Picasso se concentre sur l'analyse exhaustive du motif , qui se décompose en autant de plans que l'expression de ses différents points de vue l'exige , comme Il est illustré dans Paysage à deux personnages (1908). Quant aux couleurs, les plans sombres et clairs se juxtaposent et le chromatisme perd de son importance sur la forme, jusqu'à ce qu'il finisse par se réduire à une large gamme de gris, verts, ocres et bruns , comme on peut le voir dans Figure dans un Fauteuil (1910 ). Une deuxième et brève phase qui se déroule entre 1911 et 1912 reçoit le nom de cubisme hermétique , et qui découle de l'intérêt cubiste de Picasso à inclure autant de plans que possible incorporant le temps comme nouvelle dimension de la toile . Par conséquent, les peintures de cette période affichent une abstraction marquée . La géométrisation se complique jusqu'à ce que les motifs deviennent pratiquement méconnaissables , comme on le voit dans Le Poète (1911) ou Nature morte à la clarinette (1911).
Picasso Nature morte à la clarinette
L'introduction de la technique du collage est aussi une innovation de cette période, conçue comme un moyen de récupérer la couleur , abandonnée dans la première phase cubiste, et d'améliorer la lisibilité des œuvres , donc son adoption implique la transition vers la figuration moins abstraite. , ce qui nous amène à la dernière phase de la période cubiste : le cubisme synthétique. Le cubisme synthétique va de 1912 à 1919. Durant ces années, Picasso donne à ses œuvres de la clarté et de la couleur, les rendant plus décoratives que conceptuelles . Des exemples sont Guitare, clarinette et bouteille sur une table (1916) ou La bouteille de basse (1914). Après la fin de la Première Guerre mondiale, Picasso s'est intéressé à d'autres arts tels que la musique et le ballet, trouvant sa place dans le monde du divertissement, collaborant fréquemment avec des organisations de ballet russes. Cette expérience se manifeste picturale dans une série de peintures réalisées par le peintre entre 1919 et 1924, une époque connue sous le nom de période néoclassique.
Période Néoclassique (1917 - 1924)
A cette étape, bien que Picasso n'abandonne pas complètement le cubisme, les traits sont beaucoup plus classiques et doux , comme on le voit dans Portrait d'Olga sur un canapé (1918) ou dans Paysage aux arbres morts et vivants (1919). Il développe également une série de compositions colorées, géométriques et plates dans lesquelles apparaissent des arlequins ou d'autres personnages du spectacle, tels que des danseurs ou des musiciens, parmi lesquels nous soulignons l'une des œuvres les plus connues du peintre de Malaga, Les Trois Musiciens (1921 ).
Cubisme surréaliste (1925 - 1935)
L'irruption de l'avant-garde met fin au bref retour de Picasso au coup de pinceau des classiques. A partir de 1925, fasciné par les écrits théoriques d'André Bretón et par les œuvres d'Yves Tanguy et de Joan Miró , le peintre entreprend une nouvelle proposition d'expression artistique qui culminera dans son époque surréaliste. Picasso n'a jamais été considéré comme appartenant au groupe surréaliste, même s'il est possible d'apprécier l'influence de Salvador Dalí et d'autres surréalistes dans des œuvres telles que Baigneuse assise au bord de la mer (1930) ou La danse (1925). Influencé par la fièvre surréaliste, au cours de cette étape, Picasso a assumé la prémisse avant-gardiste de créer des métaphores plastiques à travers la métamorphose des formes, utilisant la peinture comme moyen d'exprimer les difficultés de la première moitié du XXe siècle , en proie aux guerres et aux crises et économiques.
Stade de maturité : l'expressionnisme cubiste de Pablo Picasso (1935 - 1972)
Bien qu'il sympathise avec le surréalisme, Picasso refuse d'adhérer aux courants picturaux, affichant un expressionnisme cubiste personnel hérité de ses nombreuses expériences avec la peinture et de son expérimentation constante avec de nombreux styles et formes d'expression. Nous parlons du véritable style Picasso . Instable et changeant, mais reconnaissable. Pendant toutes ces années, Pablo Picasso a utilisé la peinture comme un moyen d'exprimer les maux de son temps, une motivation qui trouve son plus grand exposant dans l'un des tableaux les plus célèbres de tous les temps : Guernica (1937) , une toile impressionnante en grand format dans lequel, avec une tension douloureuse, il embaume le tragique bombardement perpétré par l'aviation allemande et italienne contre la Seconde République dans la ville de Guernica pendant la guerre civile espagnole. Une grande partie de l'œuvre de Picasso est marquée par l'influence des guerres . D'une manière ou d'une autre, ses peintures se concentrent sur la destruction et la souffrance , comme on peut le voir dans Gato dévorant un oiseau (1939) ou dans n'importe quelle pièce de la série des fragments et croquis d' El Guernica (1937). Après la Seconde Guerre mondiale, ses peintures retrouvent l'optimisme, donnant naissance à des dessins emblématiques comme La Paloma ou Paloma de la Paz avec des fleurs , avec lesquelles il s'engage dans la cause pacifiste.
Picasso Paloma
Au cours de ses dernières années, Pablo Picasso a fait une revue des classiques, réinterprétant des œuvres de maîtres tels que Velázquez , parmi lesquelles nous soulignons les multiples versions que Picasso a faites du célèbre tableau Las Meninas (1656), telles que Las Meninas de Picasso ou Las Meninas y la vie . Bien que le parcours de Picasso à travers les années et les mouvements artistiques de son époque mène à un style éclectique, si l'on prête attention aux propos du peintre lui-même, on ne peut concevoir son stade de maturité comme une synthèse de l'ensemble de sa carrière antérieure, puisqu'il n'a jamais avait un horizon auquel aspirer. Pablo Picasso jouissait de la plus grande des libertés : celle de pouvoir créer en se laissant porter.
